フェルメール展で再会したファブリティウスに夢中

彼の名は　カレル・ファブリティウス。
『歩哨』という作品を描いています。不思議な絵です。
彼の作品は５点ほど出展されていてどれも印象深いものでした。
２０年程前に、オランダのハーグの美術館で初めて彼の作品に触れました。
Ａ４程の小さな作品で、鳥が描いてあり、
とても心打たれました。
でも、忘れかけていたのです。
先のフェルメール展で自画像と、この『歩哨』を観たとき、
一目でハーグの作品が蘇りました。
不思議な体験でした。
でも、作品自体ももっと不思議なものでした。
彼自身についても多くはわからないようで
１６５４年のデルフトの爆発事故で死んだらしく、
その時、彼の作品の大半も一緒に焼失してしまったらしいのです。
だから現存するものはフェルメール以上に少ない。
私は個人的に、フェルメールやレンブラントに匹敵する才能を
持っていた画家だったと思っています。
若くして死んだのが悔やまれます。
彼に関する文献も少ないのですがイタリア、それもヴェニス派の画家との関連が垣間見られ
フェルメールがイタリア美術の非常に優れた受容者であることを考えると、美術史の上でも大変面白い解釈ができそうです。
「フェルメール展」では、フェルメールよりもファブリティウスにもっと興味をそそられてしまうほどでした。（N.O)

なぜフェルメールの絵に引きつけられるのか

　歩きながら考える時がある。なぜフェルメールの絵に引きつけられるのだろう？あの陶酔にも似た心地よさは何だろう？何とか言い当てられないものか。頭の中の「デルフトの眺望」やら「牛乳を注ぐ女」を心で観ながらコツコツと言葉を探す。足の方は目的地に到達するけど、心はなかなか着かない。このあてのなさは実は楽しみでもある。

と前置きが長くなったが昨年１２月中旬、おゆみ野の仲間達と「フェルメール展」を観に上野を訪れた。長年の探しているあてどころの手がかりも見つかればという思いも携えつつ。

　「フェルメール展」とは銘打っているけど、全４０作品中彼の作品は８点のみ。のみとはしかし不適当か。何しろ世に知られる彼の作品は３５点だけ。その４分の１が出品されたのだから。ただ愛しのフェルメールに到達するまでがこれまた長い。２０分待ってようやく入場できたと思いきや、そこから同時代のデルフトの画家の作品を２４枚見せられる。それらも平静に観ることなどもちろん望めない。画家名や題名を表記したラベルを何分も鑑賞させられた後ようやく作品前にたどり着き、そこでも聴覚やら触覚のノイズと格闘しつつ類いまれなる集中力と厚かましさの助けをかりて観るという有様。ま、日本の展覧会ではこれが普通なんだ、とあきらめつつも階段上がってフェルメールの光が視野に飛び込んでくるころには、実はかなり疲労しているんです。（ただし今回の疲労には特別な嬉しい理由があったのです。私、ある一枚の絵と衝撃的に出会い今その作品とその画家に夢中です。）

　でも同時代デルフトで活躍した画家達、デ・ホーホやファブリティウス、デ・ヴィッテやフォスマールの、それもヨーロッパの常設ではじっくりとは観ないだろう作品をまとめて系統づけつつ観られることは貴重な体験。またこれらの作品群の後でフェルメールと出会うと、それらとの共通点もよくわかるし、何よりもフェルメールの表現の秀麗さを改めて認識することとなった。

そこには際だった光と色があった。色は対象との関係で様々に変化する。同じ波長でも空の青、水面の青、洋服の青、瞳の青、それぞれの現れ方は全く違う。質感を伴う色、とでも言えばいいのか。そのいわば「質感色」もまた光に強弱によってさらに変化する。絵と描く時、その「質感色」一つ一つをパッチのように切り取り観察する作業を強いられる。そういった細部を忠実に描き集めていくのがオランダ絵画の魅力であり伝統でもあるけど、逆に細部を描き過ぎてしまうことによってかえって現実性、自然性から離れていってしまう面もある。１５，６世紀の宗教画では、この現実からの乖離はむしろ崇高なる神聖を表すために好都合だったろう。しかし世俗画ではかえって稚拙さ、ミニチュア化として表れてくることがある。デ・ホーホの作品ではその感が否めないものがいくつかあった。チェスの駒か、ドールハウスの中のような奇妙な感覚。お伽の国に来たような。

このミニチュア化を克服するには、画面全体を絡め取っていく文法が必要であり、その一つが遠近法。大きさであれば透視図法。光では空気遠近法。そして透視図法ならどこに視点を固定するのか、空気遠近ならどの光を用いるのかを、場面場面で効果的に用いなくてはならない。フェルメールの作品では視点は低く、床の線を画面の下に止めることで（小津の映画のようかな）観察者に等身大の空間印象を与え、また光源は窓外の外光に限定し、それを画面の奥に反射させ観察者側には闇を配置することで室内全体の空間の厚みや光の効果を表現している。反対に画面前面に主要モチーフを配置したいときには、色の効果を最大限に用いて進出色（赤、オレンジ）を用い、背景に後退色（青）を配置する。この色の効果は『ワイングラスを持つ娘』で端的に表れている。色が鮮やかで本当に目を見張ってしまいました。係の人から早く前に進めと怒られました。

しかし文法はあくまで文法。これを効果的に活用することに加えて、いかにモチーフや筆致を選び抜いていくかという大いなる取捨選択にフェルメールは秀でている。これについては彼の初期の作品にヒントがある。特に『ディアナとニンフ達』の構図や色はルネッサンス期のイタリア、それもラファエロを連想させるような透明感とやわらかさがある。空間処理では整合性に欠ける部分もあるが、イタリア美術の影響をかなり受けていたこと、それが後の画面の統一感に繋がったことを伺わせた。

また光を空間表現や場面表現に効果的に用いることは１７世紀以降のバロック芸術の特徴だが、イタリアのバロック絵画が劇的で時には仰々しい表現に走りがちなのに比べて、フェルメールの光の表現は劇場的ではあるけど決して大げさでなく我々の経験値から逸脱しないのは、世俗画というジャンルにも依るだろうが、視点を低く設定しているという画面構成上の効果もあるこということは新しい発見だった。

ということで、モチーフの図像学的解釈やテーマはさておいて表現様式だけについて一部書いたが、最初の「あて」の話に戻そうか。フェルメールの魅力を語るための何か新しい手がかりは？と聞かれると残念ながら特になかった。ただ、ひとつ整理できたことがあり、それは彼の作品が相対する矛盾を抱えているということ。透明だが鈍く輝く光、日常的だが謎めいた視線、自然だけど計算され尽くした表現、落ち着いているけど実はかなり鮮やかな色遣い。それはヨーロッパの北方美術とイタリア美術の最高のかたちでの融合といえるかもしれない。

「奇跡」なんてあまりの常套句で無礼を感じてしまう。１７世紀前半期５０年。デルフトが歴史のなかで瞬間的に繁栄したまさにその時、フェルメールはそこにいた。そして絵を描いていた。都市が人を創り、人は芸術を生んだ。この循環の宿命と、その流れの飽和からぷっと吐き出された一粒の真珠。それも何という美しい一粒。彼の絵の中に描かれた真珠そのもののよう。その一粒にただただ感謝するばかり。（N.O）

Ｐ.Ｓ.今夢中になっているものは、次回に。

六本木・サントリー美術館ツアー

六本木ミッドタウンにあるサントリー美術館に「ガレとジャポニスム」を見にメンバー4人で出かけた。六本木という華やかな場所を目指すためかメンバーのうち3人が若草色を基調にした装いだったのが面白かった。フランス・アール・ヌーヴォー期を代表する芸術家エミール・ガレの手がけたガラス・陶器・家具140点が展示されている。

　とにかく、蛙と蜻蛉をこれでもかという具合いに詳細にガラスや陶器の上に描いたり、あるいはそれらをガラスで作り、器の上から貼り付けて合体させているものが多かった。美術史家のOさんによると、「日本の場合だと、器と装飾のとちらがか主でどちらかが従になるものだが、ガレの場合、地も図もなく合体している」という。足元から先まで器全体で蜻蛉なら蜻蛉を表現しようとしており、「ガレは精神的な脅迫観念にかられているみたいだ」とOさんは評する。

美術館はどこも暗めだが、細かいディテールをみているうちに本当に疲れてしまった。私は彼が亡くなる１年くらい前に作ったすりガラスのような仕上がりで蝶の模様が浮き出たピンクの花器と、蜻蛉が目立たない程度にくっついた緑色のガラスの器が気に入った。UPした写真はかれが最後に作った蜻蛉の器である。いまごろ蜻蛉になって飛んでいるのではないだろうか。

美術館ツアー感想

6月12日の美術館ツアーの感想をＮさんから頂きました。

持って帰りたかったモネの「睡蓮の池」

　美術館のギャラリーに入ってすぐに彫刻のお出迎え。美術館って絵画だけじゃないのね・・・と改めて思いながら、難しそうな作品には「好きか？嫌いか? 」「家に置きたいか？否か？」の相当身勝手な尺度で見つめながら、少し気になる“風の中のBｅｅｔｈｏｖｅｎ”はじっくり裏側も見つめたりしながら、いよいよ絵画コーナーへ。新人研修と思われる多勢の青年の団体に圧倒されながら、おゆみ野のお母さん集団は周囲の流れに逆らって、ゆっくりゆっくり一つひとつの絵を、作家の人生、時代背景、技法など実に細かくて貴重な解説を頂きながら見ていきました。

　印象派や近現代の作家が充実しており、一つの企業のコレクションとは思えない、見ごたえ十分の素晴らしい作品たち。日常を忘れ、全身で集中して見て、さらに解説により頭もフル回転・・・。ストレスがどこかへポン！！と飛んでいく至福のひとときを過ごせました。個人的には何枚かぜひ譲り受けて？家に持ち帰りたい絵がありました。クロード・モネの「睡蓮の池」とパブロ・ピカソの「腕を組んですわるサルタンバンク」です。モネは見ていると透明で澄んでいて清々しい心になれ、ピカソはもしかして絵よりもその絵の“青年”を持って帰りたいと思うほどの美青年でした。

　小さい頃から切手や教科書でおなじみの、髪を結った着物の婦人が小鼓を打っている、岡田三郎助の「婦人像」に会えたのも感動でした。「うわー、本物だ。大きいー」印刷じゃない実物って、大きくて作家のパワーが溢れているんですね。

　長時間歩行で足はパンパンに疲れましたが、満足感いっぱいの1日でした。ぜひまた企画をお願いいたします。ありがとうございました。

第１回美術館ツアー

　  　「この街には文化の香りが少ない」といっていた岡村奈保さんを講師にして第１回美術館ツアーを行いました。東京駅八重洲口から歩いて５分くらいのところにある「ブリヂストン美術館」を訪ねました。印象派から現代まで１５０点が展示され、３時間あっという間にたってしまいました。お昼は新丸ビルでランチ、とにかく座りたくてすいているイタリアンレストランにしました。

　ミレーやコローといったバルビゾン派といわれる人たちの絵がその当時は革新的だったと聞いて驚きました。絵の具が携帯できるようになり、初めて外で写生できるようになったからだそうです。確かにそういわれれば、それまではせいぜい人物か宗教画が中心だったなぁと思いました。

　セザンヌが印象派のモネとそれに続くピカソたちのキュビズムを分ける分水嶺の存在であることも初めて知りました。三次元の対象を二次元の平面の上に表現するという画家たちの永遠のテーマを、時代やそれぞれのオリジナリティをもとにして構築していくのが芸術家なんですね。

　はちきれそうなこの肌を描きたかったのではと思うルノアールくらいまでは、まだ画家の意図が理解できそうでした。が、マチスやピカソはもはや、描く対象に感動して描くというのではなく、その表現手法を具体化するために描くということに驚きました。それで普通のおばさんを描いているのかと妙に納得できました。

　岡村さんは「マチスは天才だよね」といってしばし絵に見入っておられました。次回もまた企画したいと思っています。よかったら一緒にいかがですか？